Comédia em Série: Barry: E se Breaking Bad fosse engraçada?

Barry é uma série da HBO, lançada em 2018, com a sua terceira temporada confirmada para 2020. A produção acompanha Barry Berkman (Bill Hader), um ex-militar que foi à guerra do Afeganistão e, após voltar aos Estados Unidos, é recebido por um amigo de seu pai, Monroe Fuches (Stephen Root), um oportunista que acaba transformando o protagonista em um assassino de aluguel. Fuches é quem arranja as contratações dele, cuja única condição é que mate apenas pessoas ruins. (mais…)

Br em série: Guerras do Brasil.doc, revisionando nossa história, questionando nosso presente e pensando nosso futuro

Em tempos de governos que atacam os direitos humanos e, no Brasil, o fortalecimento do descrédito à educação, à filosofia, e à história, eis que surge um seriado documental, conciso, sobre momentos da história do país. No começo de junho, foi lançado na Netflix Guerras do Brasil.doc, do diretor Luiz Bolognesi (Ex- Pajé e Uma História de Amor e Fúria).

Distribuída originalmente pelo Canal Curta!,  traz versões sobre 5 conflitos da história do Brasil: “Guerras da Conquista”, que trata dos confrontos entre portugueses e outros colonizadores com os indígenas brasileiros;  “Guerras dos Palmares” sobre os conflitos com os escravos; “Guerra do Paraguai” desmistificando essa guerra que por muito tempo foi pouco questionada nas escolas e nos programas de comunicação; “Revolução de 30” sobre o período que o Getúlio Vargas esteve no poder; e finalmente o último episódio , “Universidade do Crime”, com tema atual, que fala sobre a criação das facções criminosas a partir das guerras e conflitos penitenciários (como por exemplo, o PCC e massacre de Carandiru).

O caminho é aparentemente cronológico, mas os episódios são independentes entre si e podem ser assistidos fora de ordem, de acordo com interesse pelo tema. Todos tensionam esses pontos históricos, trazendo questionamentos  para a história oficial e a situação atual, como por exemplo a questão das terras indígenas e conflitos de terra, que a toda hora (e mais ainda no atual governo) são debatidas.

 

 

O documentário é construído sem narração (sem a “voz de deus”*), segue através de depoimentos de historiadores, ativistas, professores e pesquisadores, aliados ao uso de intertítulos com dados, que compõem um painel sobre cada uma dessas guerras, possibilitando refletir sobre suas raízes e consequências até os dias atuais e pensar para onde estamos seguindo.

Todos trazem observações instigantes, uso expressivo de imagens com sons e músicas e imagens de arquivo, deixando a narrativa menos engessada e dando luzes à reflexões para buscarmos entender como nós, ditos Brasileiros, chegamos até aqui do jeito que somos, quebrando os velhos estereótipos e revisionando certos elementos da história que nos é ensinada.

Para estudar a história de um país, deveria-se atravessar todos seus momentos, incluindo suas páginas mais sangrentas e lamentáveis – e o Brasil, infelizmente, é pleno de confrontos trágicos desde sua fundação até hoje. É essa parte da história brasileira que a série conta: os fatos, as versões, as revelações e curiosidades sobre os principais conflitos armados da história do Brasil.

 

Brasil de guerras, opressões e resistências

 

 

“Não tem paz em lugar nenhum. É guerra em todos os lugares e o tempo todo”, essa frase do historiador e filósofo indígena Ailton Krenak no primeiro episódio da série e que justifica a afirmação acima. Ele também alega que a “relação” dos europeus com os indígenas não foi pacífica, como hoje muitos ainda pensam, que praticamente exterminou povos e que esse conflito existe até então (e ele ainda acredita que não vai acabar tão cedo).

Durante os episódios vemos o questionamento e a negação de muitas famílias brasileiras, como por exemplo, o fato da “invenção” do Brasil (alguém ainda fala em descobrimento?) ter sido na verdade uma invasão, ou a ironia com o nome do aeroporto de Maceió ser Zumbi dos Palmares e lá ser um dos estados onde mais se matam jovens negros.

 

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No último episódio temos reflexões sobre o sistema prisional brasileiro, a ineficiência da guerra às drogas e a corrupção policial, temas que conversam com outra obra (lançada também na Netflix e no mesmo período), a minissérie americana Olhos que Condenam, da diretora Ava DuVernay. O Brasil tem a terceira maior  população carcerária do mundo. Em 2017, assistimos pelos jornais o massacre e rebeliões dos presos de Alcaçuz, um dos mais brutais e sangrentos episódios da história do sistema prisional. Dois anos depois, parece que nada mudou, mas as marcas seguem reverberando.

A história do que chamamos Brasil (pós-colonização) é uma sangrenta e contínua história de conflitos e violência, de opressão e resistência. Nada de indígenas preguiçosos e “africanos fáceis de serem escravizados”, o que a série faz é mostrar que o Brasil (ou os portugueses e europeus) não são pacíficos como normalmente se constrói. Esse “fio da meada” bate de frente com os “ideais” expostos hoje, como a campanha de armamento. Re-pensar essas questões pode ajudar a buscar construir um futuro mais justo, com menos confrontos, menos guerras.

 

Educacional e político

 

 

O Brasil tem tido boa repercussão de filmes documentários, muitos falam do nosso passado, nossa história, e muitos da nossa política recente, como o Caso do Homem Errado, de Camila de Moraes e o Democracia em Vertigem, de Petra Costa, poderia citar vários outros títulos. Porém, no ramo das narrativas seriadas ainda não  há um mercado tão consolidado.

Guerras do Brasil.doc não inova em sua narrativa ou estética, não problematiza tão fortemente suas questões como outras obras, e tem um tom meio didático e educacional, então, para muitos não deve acrescentar muita coisa. Porém, mantém um posicionamento firme.

Por exemplo, na fala do historiador Marcelo D’Salete, que afirma que “devemos tratar os  territórios (quilombolas e comunidades indígenas) com dignidade e respeito, proporcionando direitos que eles precisam para continuar existindo”. Ou quando coloca uma jovem mulher negra ativista para recitar sua poesia/ rap sobre a situação do população negra no final do segundo episódio.

 

 

 

No fim, a série se faz informativa, educativa e dinâmica. Em tempos de algoritmos que nos sufocam de produções pouco memoráveis, se permitir dar play em obras como essas é, além de um respiro, relevante.

Guerras do Brasil.doc ressaltam, cada uma à sua maneira, a importância da memória e da compreensão de estruturas sociais e arranjos de poder para enxergarmos e entendermos os conflitos da contemporaneidade tal como eles são.

*“voz de Deus” como é comumente chamada o narrador ou locutor que não é visto em cena e também não é personagem

Críticas: Segunda Temporada de “Dark” é mais sólida e intensa

 

Por Enoe Lopes Pontes

 

Depois de uma espera de quase dois anos, a Netflix disponibilizou a segunda temporada da série Dark. Realizada na Alemanha, a produção chega neste novo ano com mais fôlego, um enredo menos óbvio do que a da sua antecessora e com mais fios para compor a sua teia de Ariadne. Após o cliffhanger do 1×10, o público descobre um pouco das consequências das ações de Jonas (Louis Hofmann) no “passado”, “presente” e no “futuro”. Com isto posto, o jovem precisa compreender quais os melhores passos seguir para evitar uma tragédia que está por vir.

Aqui, um dos maiores ganhos é a forma como o protagonista continua a ser o fio condutor da trama, mas agora deixando que as outras histórias se desenvolvam com mais profundidade e sob outras óticas além da sua. Não apenas as viagens no tempo, mas as decisões e suas consequências são postas nas mãos de todos os indivíduos importantes da trama, mas o gancho nunca deixa de ser a personagem principal. Assim, as escolhas de Baran bo Odar (Crimes na Madrugada), e dos outros roteiristas que assinam com ele, traz um equilíbrio e maiores surpresas para o desenvolver dos atos postos em cada sequência.

 

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O jogo de cores no figurino – criado por uma equipe de mais de dez pessoas – e o de luz e sombra na fotografia, feita por Nikolaus Summerer (Invasores: Nenhum sistema está salvo), continuam sendo marcas de linguagem selecionadas para ambientar o espectador em que período os fatos narrados estão acontecendo. Contudo,  sem nunca perder os tons neutros, principalmente bege e marrom, que instalam sensações ambíguas que vão de uma ambiente depressivo até um local caseiro, que inspira conforto e segurança.

A complexidade de Dark também está na direção, nos movimentos de câmera que revelam múltiplas visões de um mesmo fato, revelado apenas depois que o público descobre quem está envolvido na situação. Outro recurso bem utilizado é a câmera subjetiva que instaura um clima de tensão e dúvida, até que o narrador seja evidenciado, com uma plano médio ou até um close, criando uma espécie de cumplicidade com a plateia. Nestes instantes, sempre fica estabelecida uma incerteza se um plot twist virá ou não. Além disso, mais uma camada de informação é colocada, podendo instigar quem assiste e amarrando acontecimentos prévios.

 

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No entanto, apesar de conseguir elevar a qualidade em relação ao primeiro ano, os novos episódios pecam em não irem tão além do que já tinha sido mostrado. Apesar dos reforços em contar as trajetórias dos indivíduos mostrados na tela, dos fatos serem esmiuçados e duas revelações serem contadas – uma muito impactante e outra nem tanto – a finale deixa certo gosto de engano. Isto porque o cliffhanger é perigoso para a qualidade do desfecho do seriado – outras ficções já tentaram seguir por este caminho e falharam, ou não – e porque nenhum elemento diferente é posto. As ações prosseguem e as vidas permanecem. Resta apenas descobrir se toda a premissa original irá levar a história para algum lugar.

 

Plano em Série: As texturas de “The Marvelous Mrs. Maisel”

Amy Sherman-Palladino criou séries importantes para a televisão estadunidense e guarda em seu portfólio, por exemplo, a lendária Gilmore Girls, estrelada por Alexis Bledel (Rory Gilmore) e Lauren Graham (Lorelai Gilmore). A roteirista, e também produtora em 2017, dá então início a mais uma de suas obras, a série produzida pela Amazon Prime, The Marvelous Mrs. Maisel, centrada na jovem dona de casa Miriam (Rachel Brosnahan), que reside em Nova York, na década de 1950 e resolve dedicar-se ao stand up comedy (comédia de palco).

A obra de Sherman-Palladino tem vários acertos, a começar por escolher o contexto retrô da cidade mais famosa dos seriados estadunidenses. Se a Nova York contemporânea é inevitavelmente interessante, na década de 1950 contempla situações político-sociais cheias de vigor, sobretudo no que tange as temáticas femininas. Miriam (apelidada de Midge) precisa lidar com suas próprias questões íntimas, seu casamento, filhos e família ao escolher a comédia de stand up como carreira, em um contexto onde mulheres (sobretudo as ricas) geralmente não têm profissão.

 

 

Para criar a atmosfera ideal da comédia de época, os diretores de fotografia M. David Mullen e Eric Moynier adotaram o conceito de realismo romântico, com uma abordagem natural na iluminação, cheia de práticos (janelas, abajures, lâmpadas), assumindo uma certa intensificação que adiciona dramaticidade as cenas. Com a iluminação mais neutra, o design de produção consegue trazer a beleza dos tons pastéis e contrastes de cores sofisticados à personagem principal. As tomadas externas aconteceram em Nova York, Paris e Catskills (as duas últimas apenas na segunda temporada), e foram ambientalmente tratadas com uma luz peculiar para cada uma delas, reforçando as cores vibrantes e luz quente do verão em Catskills, assumindo a temperatura mais aquecida natural que há nas noites parisienses, assim com o inverno azulado da Big Apple.

Em se tratando de equipamento, os fotógrafos escolheram a Panavision para lentes (com uma preferência pela prime 24mm, uma lente grande angular) e a Arri Alexa para o trabalho de câmera principal. Essa dupla permitiu que houvesse praticidade nos movimentos de câmera (há pouco investimento em planos estáticos) e garantiu um acento os espaços geográficos das cenas para garantir a estética de iluminação que contemplasse luz natural.

 

 

 

Duas cenas merecem destaque do ponto de vista da fotografia, realizadas com um Steadycam: a cena de abertura da segunda temporada (S02E01) em um belíssimo plano-sequência e uma cena em flashback sobre a trajetória da vida matrimonial de Midge, com uma câmera que gira em 360 graus e uma montagem graciosa cheia de elipses temporais (S01E04). A premiada The Marvelous Mrs. Maisel é, sem dúvidas, uma série encantadora pela sua temática cheia de poder, em um contexto de interesse do público feminino que cuida de sua forma com um preciosismo impecável.

 

Vídeo de referência:

 

 

 

Trailer:

Terror em Série: American Horror Story – O Apocalipse Chegou

Após sete meses de especial American Horror Story (2011-), chegamos, finalmente, na temporada que deu origem a dedicação de sete meses desta coluna, a oitava season do seriado: Apocalipse. Com altas doses de crossovers, personagens ressuscitando, um crescimento de camadas nas histórias já conhecidas, um aprofundamento na mitologia do produto queridinho de Ryan Murphy; a obra deixou os fãs com muitas expectativas e conseguiu abarcar algumas delas.

A espera principal era o retorno de Cordelia Goode e de todo seu Coven. Elas foram protagonistas da terceira temporada que, apesar de não ser uma das melhores no quesito narrativo, com certeza foi uma das mais potentes no que diz respeito a criação de mitologia. Outro crossover de seasons anteriores era o de Murder House, a primeira história do universo de AHS. No final dela, inclusive, vê-se uma criancinha satânica e, desde então, ficou uma promessa velada de se fechar este arco narrativo, iniciado em 2011.

 

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Apocalipse é a mistura dessas duas temporadas: as mulheres poderosas, bruxas do já consagrado Coven versus o anticristo, o garoto demoníaco que cresceu e agora aparecer para cumprir sua missão na Terra: a de destruir a humanidade. A divulgação do seriado mostrou pouco e talvez tenha gerado nos fãs certa expectativa de já começar vendo no primeiro episódio Cordelia e todas as outras bruxas chegando com tudo.

Mas, não foi o caso. Murphy, como sempre, quebrou as expectativas e as personagens apresentadas no episódio de estreia eram todas novas. Sarah Paulson, por exemplo, interpreta Wilhemina Venable, uma mulher misteriosa e sádica que controla a casa onde alguns poucos afortunados conseguem se refugiar do apocalipse. Este pequeno início já começa dessa maneira, de forma desesperançosa, mostrando o fim do mundo sem dó ou piedade.

 

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O primeiro episódio consegue ser existoso e mantém um ritmo frenético. Mal conhecendo as personagens é difícil se apegar a eles, mas, a total falta de história prévia vem aqui como uma maneira de acrescentar camadas posteriores para a trama e pode prender o público pela curiosidade. Alguns dos atores já conhecidos de outras temporadas como Evan Peters, Leslie Grossman e Billie Lourd aparecem no meio do fim do mundo, desesperados , tentando se salvar.

Diferentemente de alguns outros anos da produção, em Apocalipse os rumos narrativos acontecem de maneira direta e a série não tem medo de arriscar em nenhum momento. (ALERTA DE SPOILER)!!!!! É claro que, com o desfecho da trama, fica muito fácil de entender a falta de receio em ter medidas tão drásticas durante todos os episódios. Contudo, a sensação de que nada dará certo em nenhum momento pode trazer uma emoção a mais, principalmente, para os que já conhecem muitas das escolhas feitas pelos roteiristas da obra.

 

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Um ponto muito importante de se apontar é a maneira  que o seriado mantém a estética de cada temporada, sem perder a uniformidade de cada episódio. Pode-se ter a sensação de estar retornando para cada um dos universos já vividos pelo espectador. A direção de arte, os tipos de enquadramentos, os figurinos, tudo isso se casa perfeitamente com a energia e a proposta de Apocalipse.  A única diferença é que tudo que envolve as bruxas de Conven tem ainda mais movimento de câmera, mais closes, mais neblina e certa palidez e falta de saturação, enquanto tudo que tem com as personagens de Murder House é ainda mais escuro, mais sombrio. Já os cenários originais da oitava temporada, trazem ou um vermelho forte, bem típico de tramas com demônios, ou ambientes aparentemente sem vida, sem cores, neutros de qualquer caracterização que demonstre personalidade.

O mais importante de destacar dessa temporada é a habilidade usar os crossovers amarrando-os bem na trama, sem quase nenhum gratuidade e ainda dando um bom fan service. Apocalipse é eficiente em contar sua história e tem uma trama bem amarrada que possui um desfecho um pouco previsível mas, não desapontante. Como sempre, algumas pontas são, propositadamente, deixadas soltas para esperarmos por algum tempo a volta dessas bruxas tão poderosas e girl power. Aliás, haja empoderamento feminino!!!! Talvez, essa seja a temporada com mais personagens mulheres que são interessantes e saem de suas zonas de conforto para se unirem entre si, cada uma de sua forma, com seu talento. Já fazia algum tempo que sr. Murphy não servia uma season com tantas qualidades. Agora é esperar pela safra 2019. Até lá!

 

Br em Série: Cordel Encantado, a novela que vale a pena ver de novo e de novo

Como falar de produtos seriados brasileiros e não falar de telenovelas? Apesar das mudanças que vêm ocorrendo no consumo televisivo nos últimos anos, e da permanência do preconceito estético em relação à enredos melodramáticos (ou “novelescos”), que supostamente elencam discussões sobre manipulação e alienação, elas ainda estão entre os principais gênero audiovisuais consumidos no Brasil.

Por certo, levando se em conta a longa história e quantidade de novelas produzidas, é compreensível, que assim como as séries, nem todas tenham sucesso, ou sejam produtos minimamente interessantes. O fato de serem exibidas em canais televisivos, ou seja, seguirem uma programação de horários fixos diários, tem contribuído para subtrair cada vez mais o número de espectadores que migram para as plataformas streaming. Porém, ainda é possível ver algumas “quebra-regras” como no caso da novela Cordel Encantado, escrita por Duca Rachid e Thelma Guedes.

 

 

A novela Cordel Encantado nos apresenta uma fábula que se estabelece a partir do encontro de dois universos fictícios, um reino europeu, Seráfia, e o sertão nordestino, Brogodó. A trama oferece referências, misticismo, humor e romance, na mistura de literatura de cordel (cultura popular) com a tradição europeia. A obra não só obteve bastante sucesso de público e crítica em sua primeira exibição na Globo em 2011, no horário de 18h, como também deixou sua marca no horário da tarde, finalizando com notável sucesso, no 03 de maio 2019, sua curta reprise no Vale a Pena Ver de Novo.

 

Inovações narrativas com base na mistura de clássicos

Oito anos depois, a novela de direção de Amora Mautner, mostrou que seu sucesso não foi pontual. Exibida no programa Vale a Pena Ver de Novo, bateu recordes de audiência, em um horário de pouco valor (entre 15h e 17h). Esse sucesso alcançado por Cordel Encantado se explica, logicamente, por suas muitas qualidades, primeiramente narrativas, visíveis desde o primeiro capítulo, e também como um sinal do cansaço do público com o modelo que tem dado a tônica da maioria das novelas nos últimos anos.

Ao invés do uso abusivo de realismo e naturalismo próprio da maioria das telenovelas, Cordel apostou em criar um mundo encantado próprio, da combinação dos contos de fadas com uma ambientação bem regional. O enredo traz elementos da literatura de cordel e das histórias do sertão, relembrando a celebridade que carrega esse tipo trama, como, por exemplo, Auto da Compadecida. O ritmo instigante e ágil, mas que não deixava de dar tempo necessário para que o público conhecesse os personagens e embarcasse na história, é sentido do primeiro ao último capítulo.

 

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A favor da novela também pesa o quesito tempo, na comparação com as novelas, teve a duração mais curta dos capítulos (40 minutos) e um menor tempo de permanência no ar (cinco meses). As autoras não adiaram nenhuma resolução. As tramas eram propostas e logo solucionadas de maneira adequada. Isso não só ocorreu com as subtramas, mas também o mote principal, como por exemplo, a revelação que Açucena (Bianca Bin) era a princesa perdida, ainda logo no início da novela. É comum ver novelas se arrastando com tramas simples por vários capítulos, ou mudando o enredo apenas pelo sucesso da obra com o público (o tão falado hoje, “fanservice”).

No entanto, esta “ligeireza” foi responsável, mais para o final da narrativa, por cair na famosa “enrolação”. Houve uma fase em que, semanalmente, o vilão o Timóteo (Bruno Gagliasso) tramava alguma emboscada ou malvadeza e Jesuíno (Cauã Reymond), o herói, descobria e salvava a princesa e/ou a cidade. Porém, para quem gosta (ou no mínimo sente nostalgia) dos contos de fadas, isso não interfere na apreciação da obra, principalmente porque esse suposto chicerismo se quebra quando se percebe que a princesa é uma nordestina, o mocinho é filho de cangaceiro e o vilão um louco mimado filho de coronel.

A expressão fanservice tem sua origem no universo dos animes e consiste na introdução de elementos supérfluos, com o simples objetivo de entreter o público. No entanto, o termo foi sendo gradativamente incorporado por outros domínios fictícios, agregando mais e mais amplitude ao seu significado. Diálogos pretensiosos, casais extremamente forçados, personagens tendo suas personalidades radicalmente alteradas do nada. Esses são alguns exemplos de fan services mais recorrentes dos produtos seriados (lembrou de algum?). A intenção esse tipo de estratégia é manter o público fiel e extrair dele reações positivas para conservar e até elevar o hype do programa.

 

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A diversão oferecida ao longo dos meses superou, de longe, esta limitação. O saldo de Cordel Encantado é positivo e  entra para o seleto grupo de novelas que o espectador lamenta quando termina, não é à toa que voltou à Globo. A reprise, inclusive, causou menos a sensação de enrolação, pois foi reeditada para o horário da tarde, e perdeu esses “excessos”.

Outra inovação narrativa é a inversão da ordem de exibição do último e do penúltimo capítulo. O da véspera é típico dos finais novelescos, cheio de emoção e desfechos, incluindo a morte do vilão Timóteo e o casamento de Jesuíno e Açucena em Seráfia. Já o final, praticamente não tem emoção nem surpresas, exceto pela apresentação de um novo vilão, dando brecha, quem sabe (talvez) para uma continuação.

 

Qualidade e cuidado ao detalhes: Música, figurinos e inovações tecnológicas

 

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Além dessas inovações narrativas, e de um elenco bem escalado, a direção de Amora Mautner e de Ricardo Waddington foi feliz em muitos outros aspectos, como em trazer o padrão de cinema (24 quadros por segundo) para a fotografia (inclusive com cenas aéreas belíssimas dos dois cenários e closes generosos no elenco). Também a qualidade dos figurinos, e da iluminação não ficam atrás. As vestimentas primorosas de época poderiam ilustrar modernos editoriais de moda. Por sinal, um elogio as personagens femininas, que mesmo numa trama de princesas, sertão e cangaço, são fortes cada uma em seu jeito particular. Daria para escrever um artigo sobre cada personagem.

O que fica um pouco problemático é a questão da regionalidade. Vê-se que há uma pesquisa e cuidado quando se trata de situações da história do sertão nordestino (ainda mais se referindo a um período antigo), e o fato de se passar em uma cidade fictícia, tira um pouco o peso da representação. Mesmo assim, é possível ver alguns sotaques mais exagerados e estereotipados. Também faz falta mais atores e atrizes nordestinas, apesar de este ser, o melhor papel da vida de muitos atores do elenco.

 

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Outra questão é em relação a trilha sonora, artifício forte das telenovelas. Algumas pessoas sentiram falta de músicas e músicos mais tradicionais do cordel e do sertão (o que seria uma ótima forma de divulgação), porém, creio que trazer, Alceu Valença, Karina Buhr, Lenine, Zé Ramalho, Núria Mallena, entre outros, efetiva essa sensação de nostalgia e regionalismo da trama. Inclusive a abertura, cantada e contada por Gilberto Gil e Roberta Sá, consagram a combinação entre regional e moderno.

A novela se despediu mais uma vez levando seus personagens, cenários e músicas. Foi se embora com seu conto de fadas, suas referências literárias, à História, e a filmes famosos, com seu toque pop e moderno. Só resta esperar por outra reprise, ou quem sabe uma continuação, e lembrar que até as novelas, com criatividade e respeito a nossa história e tradições, podem ser muito mais que melodramas manipulativos ou sem conteúdo.

 

Série em Pauta: O dia de Star Wars virou festa dupla em Salvador

Texto: Enoe Lopes Pontes

Fotos: Laís Prado

Numa galáxia não muito distante, Rey e Kylo-Ren se encontraram com o Darth Vader! Sabres de luzes piscaram, o Yoda apareceu com bastante frequência e vendedores comercializaram naves feitas em impressora 3D. As crianças correram vestidas com fantasias e blusas em homenagem a Luke Skywalker e Leia Organa. Os corpos foram gravados com tinta permanente, simbolizando a eternidade de suas paixões.

O lugar que deu espaço para este ambiente de fantasia foi o Portela Café, localizado no Rio Vermelho. Toda esta dinâmica aconteceu devido ao May the 4th. Inaugurado por George Lucas, criador de Star Wars (SW), o dia é exaltado pelos fãs da saga, que se reúnem para festejar a franquia. O motivo da data vem trocadilho da famosa frase “Que a força esteja com você”, em inglês: “may the force be with you”, que tem som semelhante ao 4 de maio, na língua inglesa.

Pensando na relevância da comemoração para o fandom deste universo, o Conselho Jedi Bahia organizou, pelo segundo ano, este acontecimento na cidade. Divida em duas etapas, uma pela tarde, o May the 4th Pop e outra à noite, a May the 4th Party. O objetivo foi reunir os fãs e trazer atividades lúdicas e divertidas, buscando fazer jus ao amor por SW. Paulo Metting é presidente do Conselho e assiste aos filmes desde criança. A ideia veio da vontade de propor algo que realmente marcasse o dia na lembrança dos fãs. “O pessoal da casa abraçou a ideia e foi um sucesso”.

 

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GRAVADO NA PELE E NA MEMÓRIA

Se a ideia do Conselho era fixar fortemente o ensejo na recordação de cada amante de Star Wars, ele conseguiu este intento! Pelo menos, na figura de Amanda Magalhães, 29. A jovem publicitária foi pedida em casamento no May the 4th de 2018 e, neste ano, resolveu fazer uma tatuagem dos bastante conhecidos Stormtroopers, soldados do Vader. O detalhe especial é que ela colocou duas orelhas de bulldog na figura, pois é fascinada pelo tipo de cão e tem três cachorros da raça.

O amor gravado na pele também é vivido por Nill Ojuara, 36. Espectador assíduo da saga, ele não só possui três tattos de personagens de SW, como também é tatuador. Concentrado em sua atividade, ele foi contando suas motivações para estar trabalhando naquele sábado. “O negócio aqui nem é lucrar, lucro menos em uma dia como esse. Faço pelas amizades com o Conselho e por gostar tanto de Star Wars”.

 

Na foto 01, Amanda Magalhães, 29, faz tatuagem com Nill Ojuara, 36. Nas imagens 02 e 03, Magalhães mostra o esboço de sua tatto.

 

Esse sentimento que motiva e encanta os fãs também é passado de geração para geração. Durante o evento foi possível ver muitas crianças fantasiadas, correndo pelo espaço, colorindo desenhos e brincando com os jogos ali propostos. Olhando ao redor, a equipe notou uma garotinha vestida de Princesa Leia. A sua acompanhante, a cantora Lorena Cerqueira, explicou que é dinda da menina e que foi ela quem apresentou para a afilhada este universo.

Contudo, Lorena garante que agora a jovem Padawan* é quem é a fã número 01 da família. “Enquanto todas as coleguinhas estão com mochila da Frozen, ela vem arrastando a dela, toda preta, do Darth Vader”. As duas fazem, eventualmente, noites especial com maratona dos longas e chamam de “Noite de Star Wars”.

 

Na foto 04, a afilhada de Lorena Cerqueira, 40, veste cosplay da Princesa Leia. Na imagem 05 está um dos desenhos que o Conselho Jedi Bahia disponibilizou para as crianças pintarem.

 

REUNIÃO DO FANDOM E O CONSUMO

De acordo com a professora doutora Adri Amaral, o compartilhamento de conteúdo e reunião entre o fandom ocupa um espaço de sociabilidade e afetividade na vida deles. Para a pesquisadora, a produção ocupa uma importância forte na vida dessas pessoas, gerando um consumo intenso.

“Tem até um certo nível de competição entre os fãs por conta de quem compra mais por exemplo gerando assim uma disputa de capital social e do próprio entendimento do que é ser fã a partir das coleções etc”, explica Amaral. No entanto, ela aponta que também existe muitas práticas solidárias dentro da comunidade, para ajudar os que não possuem recursos para adquirir a imensa quantidade de produtos ligados à saga.

 

Na fot0 06, Yasmin Uchôa, dona da Mimo Cadernos. Na foto 07, um Chewbacca e uma Leia de bisciot, do Mundo Biscuit.

 

TENDÊNCIA GEEK

Ligada no mercado do mundo nerd, a empresária Yasmin Uchôa decidiu embarcar na feitura de cadernos com símbolos de produções famosas. Desde o primeiro ano da May the 4th, ela expositora fiel de seus produtos em feiras voltadas para este tipo de público, justamente por considerar um grupo que gosta de investir em materiais focados em suas paixões.

Porém, comprar não é o foco exclusivo desta comunidade. Outras características habitam esta sociedade. Um destes elementos é o costume de fazer cosplays. Trajando as vestimentas de suas personagens preferidas, eles desfilam com suas elaboradas roupas, com expressões faciais que demonstram contentamento. Membro do Conselho Jedi da Bahia, Kauana Hervan, 29, queria muito se vestir de figuras que admirava nas telas e nos quadrinhos, mas nunca teve coragem. Contudo, já tem um ano que começou a incorporar a Rey, persona dos filmes mais novos de SW, e tem gostado muito desta experiência.

 

 

* Padawan é a criança que está em fase de treinamento para ser Jedi

**Essa matéria contou com a colaboração de apuração de Laís Prado

Série em Pauta: Conselho Jedi Bahia promove festa para fãs de Star Wars

Quem já ouviu falar sobre a data comemorativa mais importante para os fãs de Star Wars (SW)? Para quem não sabe, todo dia 04 de maio é utilizado pelo fandom para celebrar a saga. A ligação entre uma coisa e outra? O som da frase em inglês. Lembra do lema da produção? May the force be with you. Acontece que quando se fala sobre o quarto do dia deste mês, em inglês, a semelhança é muito grande, por isso o nome May the 4th. Pensando nisso, o Conselho Jedi Bahia (CJBA) realiza, neste sábado, 04, comemorações voltadas para os apaixonados pela franquia SW. Entre 14h e 18h, no Portela Café, ocorre a May the 4th POP, uma feirinha com jogos, exposição, bate-papos e várias atrações para o público geral. A classificação é livre e a entrada gratuita. Já a partir das 22h, o local passa a sediar a May the 4th Party, festa com DJs, batalha de cosplays e drinks especiais. A faixa etária permitida é acima dos 18 anos e os ingressos são vendidos através da plataforma sympla: www.sympla.com/vemportela . Para maiores informações, acesse este link.

 

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Colunas: Morte, sedução e evolução em Killing Eve (Primeira Temporada)

Quando comecei a pesquisar (academicamente) críticas feministas aos produtos culturais, me propus o exercício constante de, além de buscar aqueles que promovam o protagonismo feminino e que tragam mulheres nos cargos técnicos “principais” (como direção, roteiro e montagem), analisar também a qualidade, por assim dizer, dessa representação. Explico: acredito que devemos ser criticamente exigentes com o “nível” que as representatividades assumem nas narrativas, mais do que exigir somente uma presença em tela ou nos sets. Ou seja, não anseio uma série ou um filme protagonizado por mulheres mas com desenvolvimento raso das personagens, ou um roteiro que reproduz estruturas tradicionais* ou que pouco tensione os silenciamentos e os estereótipos que nós quase sempre sofremos. Quero mais. Espero personagens com personalidades complexas, cujas ações evoluam na trama e que as relações com as demais figuras femininas nos ofereçam outros olhares sobre sororidade e rivalidade.

 

Diante de um produto como Killing Eve, vemos como uma boa narrativa pode explorar nuances das suas personagens, fazer o roteiro evoluir junto à evolução destas, em suas performances e na relação construída entre elas, especialmente quando uma é psicopata e assassina de aluguel e a outra uma funcionária da Inteligência Inglesa (MI5) – posições centrais nas histórias de perseguição tradicionais que aqui adquirem contornos maiores do que o lado bom x lado mau. A série dramática é uma produção britânica para a BBC America, baseada nos romances seriados Codename Villanelle, de Luke Jennings, criada por Phoebe Waller-Bridge e estrelada por Sandra Oh (Cristina Yang, de Grey’s Anatomy) e Jodie Comer (de My Mad Fat Diary). A Maratone como uma Garota! discute um pouco a primeira temporada, especialmente a concepção das duas protagonistas!

 

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Eve (Sandra Oh) é uma agente da Inteligência Britânica muito sagaz, porém subestimada no trabalho, que tem uma fixação por assassinatos e mulheres criminosas e começa a investigar uma assassina profissional internacional, Villanelle (Jodie Comer). Logo, Eve se vê diante de uma grande organização do crime e Villanelle parece apreciar sua busca incessante. Elas vão adquirindo uma fixação mútua, o que move o roteiro, que economiza suspenses. Com 8 episódios, a velocidade das ações é rápida e as coisas se resolvem sem muitas delongas. O apelo ao espectador, aqui, vem muito menos do mistério e da ansiedade de revelações que um thriller policial normalmente oferece e mais de uma curiosidade para com as motivações e ações da antagonista e da protagonista.

 

Eve, envolta no prazer de estar à frente de algo tão grandioso (como ela diz, “salvar o mundo da assassina”), começa a romper barreiras éticas e revelar outros lados de sua personalidade. Ela vai “morrendo” aos poucos (Killing Eve traduz-se por “Matando Eve”) para renascer e experimentar outra vida, em outro nível de ação. E é em Villanelle que encontra um ponto de transformação. Sim, o trunfo da série é a interação narrativa e artística entre as duas atrizes principais, ainda que outras mulheres também assumam papéis de destaque. A esfera psicológica tem, portanto, um papel central no desenvolver da trama, movendo as personagens e desestabilizando expectativas do público. Tudo isso se expressa na montagem, especialmente no encadeamento de planos e contra-planos, que não se limitam a contrapor pontos de vista, mas engendrar a intimidade que sendo estabelecida, e nos enquadramentos que sempre revelam alguma nuance característica de cada uma.

 

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A premissa do jogo de perseguição policial – bandido está, aqui, recheada com o tom de imprevisibilidade que a psicopatia e frieza da antagonista, Villanelle, proporciona. O que esperar de alguém cujo prazer do trabalho de assassina não lhe impõe limites? Poucos clichês emergem, ainda que alguns pontos soltos eventualmente surjam, o que não atrapalha o desenrolar da história, justo porque Eve e Villanelle não são óbvias, não são arquétipos fixos e previsíveis. Assim, as incoerências na narrativa, como perseguições óbvias, viagens imprevistas, resoluções e recursos que não existiriam na prática, se tornam “irrelevantes” quando o que se sobressai é na verdade a lógica de dominação e sedução estabelecida. Ainda que seja um enredo de perseguição, as fronteiras do jogo se tornam nebulosas e já não se percebe tão nitidamente as reais motivações dessa busca.

Grande parte do êxito e da potência da produção está na performance das atrizes, incluindo aqui não somente Sandra e Jodie, mas também Fiona Shaw, que interpreta Carolyn, da inteligência russa e quem recruta Eve. Kirby Howell-Baptiste, única mulher negra da produção, interpreta Elena Felton, a assistente de Eve, e vai perdendo presença com o passar dos episódios, ponto em que a série peca, já que parece não valorar suas ações e subjugar sua trama. A estética corporal e a atuação carregam traços de personalidades – como os trejeitos ora joviais e despreocupados de Villanelle, ora violentos. Sandra Oh imprime no corpo a satisfação e a segurança que sua personagem vai desenvolvendo ao longo dos episódios.

Para quem aprecia histórias policiais, sem dúvida Killing Eve reserva uma experiência de suspense e envolvimento subjetivo muito interessante. A segunda temporada já está no ar e a série, que fez Sandra Oh ser a primeira atriz de origem asiática indicada ao prêmio Emmy de Melhor Atriz, já foi renovada para uma terceira!

 

 

 

* Por tradicionais, pretendo me referir aos modelos a que comumente as mulheres são associadas, como por exemplo: maternal, protetora, amável, o elo frágil do grupo, ou quando as ações de uma personagem, ou sua personalidade, são moldadas em função de um personagem masculino.

**Letícia Moreira é produtora cultural, pesquisadora e mestranda em Comunicação, pela Unicamp. Além disso, é crítica de cinema, pelo site Mais que Sétima Arte (https://maisquesetimarte.wordpress.com/)

Crítica de Vingadores: Ultimato SEM SPOILERS

por Enoe Lopes Pontes

 

Em 2008, o Universo Cinematográfico Marvel (MCU) deu largada em suas produções, com o longa Homem de Ferro. O filme foi um sucesso e outros super-heróis deles ganharam espaço nas telonas. Cuidadosamente, foram sendo lançadas as tramas solo das personagens. Ainda que nem todas as projeções fossem boas, elas seguiam um nível básico de qualidade, conseguiam, pelo menos, introduzir figuras importantes da HQ para os novos consumidores e agradar os fãs das comics também. Em 2012, o primeiro Vingadores foi lançado. Onze anos depois do início desta trajetória, chega aos cinemas Vingadores: Ultimato.

Aqui, é possível notar uma ode ao MCU. Durante as longas horas de exibição, é possível encontrar muitas referências e memórias de outros materiais deste Universo. O reencontro com algumas personas já conhecidas pelo público e a maneira como é possível ter contato com a evolução da personalidade delas é o traço mais marcante de Ultimato. Sem pressa, ele revela os lamentos e a busca para se reerguer dos indivíduos escolhidos como principais nesta trama. Sem spoilers, pode-se dizer que todos os mocinhos com enfoque neste último “capítulo” recebem no roteiro aquela “fórmula” da jornada do herói. Incluindo estratégias elaboradas para a saída de alguns deles.

 

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No entanto, se tem uma coisa que Vingadores: Ultimato não é de jeito nenhum é enxuto. Cheio de gorduras, algumas cenas parecem mais dilatadas do que deveriam ser. Não pensem que isto se dá ao fato de que cada conflito interior das personagens de destaque nesta projeção que faz com isso aconteça. Na verdade, é o como isso se dá que interfere no ritmo do longa. Porque o desenvolvimento de personagem é algo importante, mas pode ser feito sem interferir negativamente no todo. A mescla de dinâmicas é que dá o tom não entediante de alguma produção. E isso não quer dizer, no entanto, que uma série de explosões e sequências “animadas” tenham que ser inseridas. Pelo contrário, é o equilíbrio das duas coisas.

Por este motivo que o novo Avengers peca. Ele passa tempos longos em momentos de intensa lentidão ou aceleração, sem casar bem uma coisa com a outra. Inclusive, apesar da grandiosidade e plot twists impressionantes na cena da batalha final, por exemplo, pode ficar uma sensação de que o espectador não consegue de fato acompanhar todas as lutas, porque as explosões e subtramas do embate fazem com que não se possa aproveitar tudo. Sem contar o que acontece, pode-se dizer que a construção demorada e lenta de algumas situações não estão no ápice do enredo e outras aparecem apenas ali.

 

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Outro ponto questionável é a utilização do vilão. Uma aura de medo e tensão foi construída ao redor de Thanos (Josh Brolin) em Guera Infinita (2018). Isto se perdeu no meio de reviravoltas, na fisicalização da personagem e em como ele realiza suas ações. A ideia que pode aparentar é que deixaram ele um tanto ingênuo, nem o seu corpo nem o que sai de sua boca parece ser equivalente em fortaleza e certeza que vinham sendo demonstradas anteriormente.

Contudo, é preciso ressaltar um elemento positivo em Ultimato. A forma com que a equipe conseguiu finalizar todo o caminho que fizeram desde 2008. É como se ficasse claro quem foi o protagonista durante todos esses anos e como o desfecho disso encerra um ciclo com coerência e, até mesmo, referências lá do primeiro longa. Pontas soltas da saga também foram resolvidas, ainda que as gorduras estivessem presentes, as soluções de conflitos exteriores e interiores foram postos na tela.

Vingadores: Ultimato é uma projeção voltada para agradar os fãs e finalizar uma era. Durante três horas de exibição, altos e baixos podem ser visualizados e cenas como a Viúva Negra comendo um sanduíche com o Capitão América, pensando “na morte da bezerra” dão oportunidade do público aproveitar para dar aquela ida ao banheiro. Ainda assim, o filme não é nenhuma vergonha e encerra com alguma dignidade a trilha de sucesso que a Marvel instaurou para si em seu MCU.

 

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